Katelina Eccleston, también conocida como La Gataha dejado su huella amplificando las conversaciones sobre música, reggaetony problemas sociales apremiantes. A través de su plataforma de redes sociales, por donde pasa Reggaetón con La Gataha investigado, educado y desafiado las narrativas que rodean reggaeton. También ha llevado su mensaje fuera de las redes sociales con su podcast. Perreo 101, y ha escrito para múltiples publicaciones (El editor noe: Ella también ha contribuido a Piedra rodante.) Ha llevado sus conversaciones sobre el impacto cultural del reggaetón a universidades como Harvard, Stanford, NYU y más.
Pero ahora está entrando en un nuevo capítulo: explorar su propio arte a través de la música. Audaz y sin pedir disculpas, canaliza su perspectiva en su debut. PE, 3:33un proyecto que fusiona rock y reggaeton en música que ofrece comentarios incisivos sobre el poder, el género y la identidad. Las canciones no sólo reflejan sus experiencias, sino que se han convertido en una forma de curación de las dudas y la angustia para ella y sus oyentes.
¿Cómo te sientes en este momento con el proyecto listo para lanzarse?
En este momento estoy en Boston con mi familia y estoy feliz de estar con mi mamá y mi hermana. Mentalmente estoy en un muy buen lugar. Mientras he estado criticando, también he estado creando, el público simplemente no se ha enterado porque, ¿para qué anunciar algo antes de que esté terminado, sabes? Estoy emocionado y listo. He lanzado proyectos antes, material instrumental, pero esta es la primera vez que grabo y lanzo algo como esto, y se siente como el momento perfecto. Honestamente, no creo que esto pudiera haber sucedido antes. El día del lanzamiento no es sólo para el proyecto; También es el final de la primera temporada de mi podcast, por lo que es un gran hito para mí.
¿Sientes que la versión de ti mismo en este momento es diferente de la que eras cuando comenzaste este proyecto?
Absolutamente. Creo que definitivamente ha habido una sensación de madurez. Cuando comencé, sabía que amaba la música y entré al estudio con ganas de hacer rock con reggaetón, y mis amigos estaban de acuerdo. Pero ahora adjunto un mensaje a mi música, basándose en mis experiencias de vida y la sabiduría que he adquirido, incluido lo que he aprendido a través de mi podcast y mi trabajo en general. Entonces sí, soy una persona muy diferente a la que era cuando comencé a hacer música. Al publicarlo ahora, puedo sentir ese crecimiento con seguridad.
¿Cuál era tu estado emocional cuando decidiste emprender este proyecto y compartirlo con el mundo?
He sentido una profunda sensación de dedicación. El nombre en sí es personal: 3:33 Es la hora exacta en que nací y el proyecto se lanza en mi cumpleaños, así que me sentí bien. Sabía que tenía que salir ahora, no más tarde. Este proyecto me ayudó a aprovechar mi amor de toda la vida por el punk. Las personas que me conocen recuerdan mis llamados “días emo”, pero para mí siempre ha sido un estilo de vida, no solo una fase. Estoy orgulloso de poner ese lado de mí en primer plano y hacer que realmente represente quién soy.
Sonoramente, hay una rabia que llevo conmigo y este proyecto se convirtió en el vehículo perfecto para expresarla. Es como si todas las piezas del rompecabezas de mi vida, emocional, psicológica e incluso profesional, finalmente encajaran a través de esta música. Eso es lo que hace que este proyecto sea tan significativo para mí.
Siempre ha habido debate, e incluso controversia, en torno al reguetón, especialmente cuando surgió por primera vez. Algunas personas, especialmente del mundo del rock, fueron críticas con el género y esa tensión todavía existe hoy. Pero estás mezclando reguetón y rock en tu trabajo. ¿Qué te inspiró a decir “voy a hacer ambas cosas”?
Como crítico, me he enfrentado cara a cara con personas que no entienden el reguetón, o que incluso lo menosprecian. Recuerdo haber escrito un artículo para Los Ángeles Times respondiendo a un musicólogo que dijo que no entendía el fenómeno Bad Bunny ni el reggaetón en su conjunto. E incluso al principio de mi carrera, cuando di mi primera conferencia en Harvard, alguien me cuestionó sobre la reputación del género, especialmente en lo que respecta al trato que da a las mujeres. Le dije: «No te equivocas, pero esta música refleja la vida real, y si quieres cambiar la música, primero tienes que cambiar la vida real».
Lo que me llevó a mezclar reggaetón y rock es la versatilidad y complejidad del reggaetón mismo. La gente suele decir que todo el reguetón suena igual, o que las chicas negras no tienen cabida en él, o que sólo pertenece a una región. Pero el reguetón es diaspórico y cuando entiendes eso, te das cuenta con qué naturalidad se puede fusionar con otros géneros, como el rock. No estoy reinventando la rueda, siempre ha habido intersecciones, con artistas como Wisin y Yandel explorando influencias del rock. Su canción “Reggae Rockeao” me inspiró a ir aún más lejos.
En el estudio, el proceso creativo consistía en encontrar el equilibrio, cuánto rock, cuánto reggaetón. Cada canción se siente única y el proyecto en su conjunto es solo una introducción. No he terminado con este sonido; Definitivamente continuaré explorando el roqueton y el rock-dembow. Pero por ahora, este proyecto está haciendo exactamente lo que esperaba.
Este proyecto se siente arraigado en la autoconservación.
Creo que lo que más intento proteger es mi deseo de crear. Los últimos años han traído muchas cosas, incluyendo traición y angustia, tanto a nivel profesional como personal. 2025 fue especialmente duro. Así que, artísticamente y a nivel personal, he tenido que tomar medidas para asegurarme de que estoy bien. Eso significó alejarme de ciertas situaciones y personas, sólo para preservar ese impulso creativo dentro de mí. Ha habido momentos en los que mi corazón estaba tan roto que me preguntaba si quería seguir haciendo arte. Pero sé que merezco crear y exponer mi trabajo en el mundo. Como afrolatina, hay muchas fuerzas que intentan impedirme ocupar un espacio o ser yo misma sin pedir disculpas. Protejo mi suavidad, mi capacidad de amar y la audacia de gustarme a mí mismo. Al mismo tiempo, he aprendido que también tengo que ser más duro para asegurarme de que ese lado mío persevera.
Canciones como “KUiDAO” y “No Somos Panas” exploran la confianza y los límites. ¿Cómo tradujiste esas experiencias personales a la música y al mismo tiempo protegiste partes de ti mismo? “KUiDAO” es una canción muy divertida, pero también está llena de intensidad. La canción tiene estos altibajos dramáticos, comienza con calma y luego el dembow simplemente te golpea. Todo fue intencional y cuidadosamente seleccionado. De hecho, escribí “KUiDAO” hace mucho tiempo, pero la emoción detrás de él todavía se siente fresca.
Lo escribí durante una época en la que había muchas conversaciones públicas acaloradas, especialmente en torno a Roe contra Wade. Me enojó que estos temas estén siquiera sujetos a debate. Como educador, me siento especialmente frustrado porque siento que la gente simplemente no me escucha. Hay mucha ira en este proyecto y “KUiDAO” canaliza gran parte de esa ira. Esta canción es un himno de advertencia; en esencia, el mensaje es simple: dejen en paz a las mujeres. Es divertido y pegadizo, pero el sentimiento es real. La influencia punk se manifiesta en los acordes de guitarra oscuros y metálicos, y me encanta ese toque. Curiosamente, había producido el ritmo hace años y lo miré durante tanto tiempo, sin saber qué decir, hasta que un día escribí y grabé la canción completa en una hora.
“Flow Juguete” captura una sensación de fatiga y resiliencia. ¿De qué manera la canción habla de las realidades que enfrentan las mujeres latinas hoy?
Con “Flow Juguete”, quería mantener el mensaje amplio para que cualquiera pudiera identificarse con él, y creo que las imágenes ayudarán a reforzar eso. La canción trata sobre ser como soldados de juguete, no sólo en campos de batalla literales, sino también en línea, donde la gente lucha batallas que no comprenden del todo. Hay una sensación de que la gente actúa a ciegas, quedando atrapada en conflictos sin saber realmente lo que está en juego.
Como historiador, ha sido difícil para mí ser testigo de cuánta unidad y acción colectiva hemos perdido desde los días del movimiento por los derechos civiles. En aquel entonces, existía una sensación real de luchar juntos por cuestiones que importaban a todos. Ahora, es desgarrador ver cómo la gente descarta luchas importantes como si “no fueran mi problema”, ya sea que se trate de raza, etnia o comunidad. Ese tipo de indiferencia está en el centro de mi frustración y rabia en esta canción.
La canción es una respuesta a eso, denunciando la fragmentación, el surgimiento del individualismo y la forma en que nos distraemos con batallas sin sentido, ya sean literales, emocionales o parte de conflictos de la diáspora. Al final, la canción pregunta: ¿Hacia dónde nos dirigimos si seguimos alejándonos unos de otros?
En el proyecto, tú te eliges a ti mismo, en tu salud mental, en tu bienestar, en tu arte. ¿Cuál fue el precio de eso?
Solía creer que elegirme a mí mismo tendría un costo. Tenía miedo al rechazo, la traición y la manipulación. Pero ahora que estoy del otro lado y he crecido mucho desde que comencé este proyecto, me doy cuenta de que elegirme no me cuesta nada. De hecho, es la mejor inversión que podría hacer jamás. Cuando me pongo a mí mismo en primer lugar, todo lo que sigue se siente auténtico y alineado. El costo real viene cuando no te eliges a ti mismo. Ahí es cuando las cosas a tu alrededor se vuelven falsas y las personas en tu vida se sienten atraídas por una versión de ti que no es real. He aprendido que cuando soy sincero conmigo mismo, las personas que se quedan están ahí por las razones correctas. No hay mejor sentimiento que ese. Entonces, para mí, elegirme no cuesta nada, ¿pero no elegirme? Eso cuesta todo.
